(Jorge Arevalo / Für die Zeit)
Im vergangenen Jahr haben die Marketingabteilungen der Studios offenbar große Anstrengungen unternommen, um die musikalischen Elemente ihrer Filme zu verbergen (wir meinen Sie, „Mean Girls“ und „Wonka“). Daher ist es irgendwie erfrischend, dass in dieser Preisverleihungssaison vier neue und stolze Ergänzungen des Genres ihre Spuren hinterlassen werden. Michael Gracey, der das Mundpropaganda-Wunder „The Greatest Showman“ inszenierte, versteht die anhaltende Anziehungskraft von Musicals auf Filmemacher.
„Ich sage immer, du singst, wenn Worte nicht mehr ausreichen“, sagt Gracey. „Sie möchten, dass die Szene Sie emotional auf einen Höhepunkt bringt. Und wenn man diese Freude oder Euphorie nicht auf andere Weise ausdrücken kann, fängt man an zu singen. Das Gleiche gilt auch umgekehrt. Man gerät in die Tiefen der Verzweiflung, und in diesem Moment des Schmerzes und der Angst ist Singen die einzige Möglichkeit, auszudrücken, was man fühlt.“
Der australische Regisseur zementiert sich mit seinem neuesten Werk „Better Man“ als wahrer Meister der Musicalnummer. Der Film dreht sich um das Leben von Robbie Williams und unterscheidet sich von vielen aktuellen Biografien dadurch, dass der globale Popstar durch Motion-Capture-CG in Form eines Affen dargestellt wird. Es ist eine mutige kreative Entscheidung, die die Erzählung auf ein höheres Niveau bringt, aber es war nicht einmal der schwierigste Aspekt bei der Herstellung des Films. Dies geschah, als Königin Elizabeth II. starb, als die Dreharbeiten für eine unglaubliche Nummer in der Londoner Regent Street beginnen sollten.
„Wir mussten neues Geld aufbringen, um in diese eine Musicalnummer zu investieren, weil wir auf die Beerdigung warten mussten“, sagt Gracey. „Es dauerte weitere fünf Monate, bis wir wieder auf dieser Straße ankamen. Und natürlich gibt es diejenigen, die sagen: „Lass es einfach, du brauchst es nicht.“ Und du sagst: „Nein, nein, nein.“ Du verstehst es nicht.' Aber das ist doch jeder Regisseur, oder? Jeder Regisseur denkt, dass jede einzelne seiner Sequenzen den Ausschlag für den Film gibt.“
Für Jacques Audiard war es sein entscheidender Erfolg für den Cannes-Gewinner „Emilia Pérez“ war die erste Szene des Films. In dieser Nummer, „El Alegato“, singt Rita, dargestellt von Zoe Saldaña, durch die Straßen von Mexiko-Stadt. Über einen Dolmetscher gibt der gefeierte französische Autor, der noch nie ein Musical gedreht hat, zu: „Natürlich war ich nervös.
„Wenn ich die Wahl habe, beginne ich meine Aufnahmen gerne mit der kompliziertesten Szene“, sagt Audiard. „Der Beginn mit dieser Marktszene war für uns eine Möglichkeit zu wissen, wo wir uns befinden. Und in diesem Sinne haben uns die Dreharbeiten auch in Bezug auf den Ton und das Licht gezeigt, dass es etwas sehr Wichtiges zu schaffen gab, nämlich dass der gesamte Anfang des Films in der Nacht stattfindet.“
Audiard spielt mit der filmischen Form, indem er seine Charaktere oft mitten in einem Lied aus der realen Welt holt. Bemerkenswert ist dies in „Bienvenida“ mit Jessi, gespielt von Selena Gomez. Audiard erklärt: „Es gab zwei Ebenen der Realität. Da ist Jessi in ihrem Schlafzimmer und dann, ganz plötzlich, gehen wir woanders hin. Der Name, den wir für diese Sequenz hatten, war Dark Ideas, also Jessis dunkle Ideen. Da redet dieses Mädchen, und plötzlich dringt sie in ihr Unterbewusstsein ein, und ihr Unterbewusstsein ist wild und wütend.“
Joshua Oppenheimer, ein Oscar-Nominierter für seine Dokumentarfilme „Der Akt des Tötens“ und „The Look of Silence“ traf die ungewöhnliche Entscheidung, sein Erzählfilmdebüt in ein originelles Musical zu verwandeln. „The End“ spielt in einer postapokalyptischen Welt, in der eine reiche Familie in einem versteckten Bunker überlebt und ihre inneren Gefühle in Liedern zum Ausdruck bringt. Aber Oppenheimer traf bestimmte Entscheidungen. Anders als bei „Better Man“ oder „Emilia Pérez“ gibt es im Kontext der Szenen keine Ersatztänzer oder visuelle Effekte. Schauspieler wie Tilda Swinton und George McKay tragen diese Nummern allein.
„Ich wusste, dass ich diese Art von schnellen Schnitten nach MTV vermeiden würde [aesthetic]. Ich wollte in das goldene Zeitalter der längeren Einstellungen zurückkehren“, sagt Oppenheimer. „Die Songs bestehen grundsätzlich aus Einzelaufnahmen, es sei denn, es kommt zu einem Ortswechsel, mit dem ich nicht gerechnet habe. Auch wenn es noch kein Tanz ist, ist es dennoch choreografiert, weil alles, was passiert, einen musikalischen Rhythmus hat.“
Ein Großteil der Choreografie wurde am Set erarbeitet, oft in einem echten Salzbergwerk. Für eine von McKays größten Nummern war ein aufgeblasener Windsackmann, der am Straßenrand für ein Unternehmen wirbt, eine unerwartete Inspiration.
„Sie fallen plötzlich zusammen, blähen sich dann auf und kollabieren plötzlich – das war sozusagen die Grundlage der Choreografie“, erinnert sich Oppenheimer. „Wir haben diese Zusammenbrüche oder Deflationen dann auf die Momente abgestimmt, in denen die Wahrheit die Blase des Sohnes zum Platzen bringt, also Momente der Erkenntnis.“ Das ist die Erkenntnis, dass alles, was er von seinen Eltern gelernt hat, eine Lüge ist.“
Im Gegensatz zu seinen Kollegen John M. Chu hatte eine ganz andere Herausforderung. Seine Aufgabe war es, das beliebte Broadway-Musical „Wicked“ auf die große Leinwand zu adaptieren. Aber wie er anmerkt, ist es „das größte Geschenk, das ein Filmemacher haben kann“, wenn man mit einem ikonischen Song wie „Defying Gravity“ arbeiten kann.
Chu sagt: „Du hast ‚Defying Gravity‘ als Abschluss, also ‚Großartig, cool‘.“ Aber auf seltsame Weise ist es so prekär, den Umfang des Fluges und die Intimität der Worte zu haben, wenn man es als Film macht, weil man das Falsche macht [choice] und du verlierst die Kraft des Liedes.“
Darüber hinaus wollte Chu als Fan der Originalproduktion nicht zu viele dieser wesentlichen „Bibel“-Momente verlieren. Andererseits gibt er zu: „Manchmal dachte ich, es sei die Bibel, und dann dachten wir: ‚Eigentlich ist das egal.‘ Gehen wir mit dem um, was wir in diesem Moment hier fühlen.‘“
