Dieses Buch geht an die Band, die wir geliebt haben: Der Autor gewinnt die Kunstfertigkeit von REM während ihrer gesamten Lebensdauer zurück

Was war REM? Es kommt darauf an, wer du bist.

Außer U2 war das Quartett aus Athens, Georgia, in den 1990er Jahren die größte Rockband der Welt. Aber für diejenigen, die ihre frühe Karriere als Amerikas beliebteste Indie-Rock-Band in den 80er-Jahren verfolgten, war die Popularität von REM wie eine Überraschung ein Kulturschockwobei ihre Kulthelden jetzt in Vorstadt-Einkaufszentren gespielt werden und abwechselnd auf klassischen Rockradiosendern spielen. Im Vor-Streaming-Zeitalter, als die Musiklandschaft von großen Plattenfirmen und einer Nachhut kleiner, über das ganze Land verstreuter Labels dominiert wurde, wurde der Wechsel von REM vom Indie-IRS zu Warner Bros. Records von vielen, die das Quartett betrachtet hatten, als Verrat angesehen als Ausreißer der Musikindustrie.

Peter Ames Carlin, Autor der neuen Biografie „The Name of This Band Is REM“, hat nichts davon.

„Mehr als jede andere Band symbolisierte REM den Moment, in dem sich das College-Radio zu einer eher labelgetriebenen Sache entwickelte, und ich verstehe, dass sich die Fans betrogen fühlten“, sagt Carlin aus dem Haus in Seattle, das er mit seiner Partnerin, der Autorin Claire Dederer, teilt. „Aber damit jeder Künstler persönliche Fortschritte erzielen kann, muss er wachsen und sich verändern, und genau das hat REM getan.“

„The Name of This Band Is REM“ verfolgt sorgfältig den bemerkenswerten Werdegang der Band von Kegger-Partys in der Universitätsstadt Athen in den frühen 1980er Jahren bis zur weltweiten Allgegenwärtigkeit und ihrem langsamen Niedergang bis zur Auflösung im Jahr 2011. Die Geschichte gliedert sich geschickt in zwei unterschiedliche Epochen. Ende der 70er Jahre fanden die vier Bandmitglieder zufällig zueinander: Gitarrist Peter Buck traf den Kunststudenten und Sänger Michael Stipe in einem örtlichen Plattenladen, in dem Buck arbeitete, und freundete sich durch ihre Liebe zu den Monkees an. Bassist Mike Mills und Schlagzeuger Bill Berry wuchsen zusammen in Macon, Georgia, auf, wo sie Southern Boogie Rock spielten, und zogen nach Athen, um an der University of Georgia zu studieren. Sobald sie sich alle verstanden hatten, begann sich eine Szene rund um eine verlassene Kirche in Athen zu formen, in der die Band billig lebte.

„Viele meiner Freunde, mit denen ich damals Zeit verbrachte, hatten eine Verbindung zu REM, die bis in die 80er-Jahre zurückreicht“, sagt Carlin. „Man würde sie in Pizzerien in Portland spielen sehen. Nach der Show hingen sie mit den Fans zusammen; Sie waren sehr zugänglich.“

Es tauchte originelles Material auf – Songs, die gleichermaßen melodisch und schräg waren, mit arpeggierten Gitarren-Hooks und Stipes Texten, die immer wieder in den Fokus drifteten. Als die Single „Radio Free Europe“ der Band 1981 ein regionaler Hit wurde, wandte sich Berry an Ian Copeland, einen Konzertveranstalter, mit dem er zusammengearbeitet hatte, der wiederum seinen Bruder Miles kontaktierte, den Besitzer des aufstrebenden Labels IRS, der die Band unter Vertrag nahm .

In den nächsten fünf Jahren schuf und definierte REM den amerikanischen Indie-Rock. Die Band folgte ihrer Debüt-EP mit „Murmur“, einem Album voller melancholischer Geheimnisse aus dem Jahr 1983, das ohne Beispiel war und zum Vorbild für die nachfolgende Generation von Gitarrenbands wurde. REM war jetzt ein Liebling der Kritiker; „Murmur“ fand großen Anklang im College-Radio, wurde zum meistgespielten Album auf Sendern links vom Radiosender und gewann praktisch jede Kritikerumfrage bestes Album des Jahres. Jede weitere Platte war erfolgreicher als die letzte, während die Band unaufhörlich für Auftritte quer durch das Land reiste. Das fünfte Album „Document“ verkaufte sich mehr als eine Million Mal und enthielt REMs ersten Mainstream-Hit „The One I Love“. REM gehörte nicht mehr den Kultisten; Es war jetzt jedermanns Band, umso mehr, als es noch so war 1988 bei Warner Bros. unter Vertrag genommen.

Zu einer Zeit, in der die Kapitulation vor dem Mainstream als ausverkauft galt, schmerzte REMs Wechsel zu einem Major-Label, als hätte die Band ihre Anhänger für die wimmelnden Massen abgeworben. Aber wie Carlin in seinem Buch betont, opferten die Bandmitglieder nie ihre kreative Autonomie für den Profit und gaben nie die Qualitätskontrolle auf, um Einheiten zu bewegen. Schon als junge Band lehnten REM die Vorschüsse des Labels ab und teilten die Musikveröffentlichung zu gleichen Teilen auf die vier Mitglieder auf.

„Ich verstehe, warum jemand, der die Band schon früh entdeckte, sie in kleinen Bars sah, „Murmur“ hörte und diese frühen Alben als Höhepunkt ihres Sounds verinnerlichte, sagt Carlin. „Es war, als würden sie künstlerisch zu einem sprechen. Aber man kann von keinem Künstler erwarten, dass er für immer an einem Ort bleibt, damit er sich nicht als Künstler einschränkt.“

Der Sound von REM hat sich verändert. Stipe sprach nun seine Texte aus, die in soziale Kommentare übergingen, während die Arrangements aus einer Palette stammten, die Streicherabschnitte, Mandolinen und eine zunehmende Abhängigkeit von Mills‘ strukturierten Keyboardparts umfasste. Die Band gelangte auch von Clubs in Sportarenen. Seine Musikvideos, die bis dahin so obskur in der Kunstschule gewesen waren, dass MTV sie kaum noch abgespielt hatte, waren jetzt High-Budget-Fantasien mit Stipe im Vordergrund und wogenden Bewegungen wie ein zum Leben erwecktes Gemälde von Robert Longo. REM-Bandkollegen wurden zu allgegenwärtigen MTV-Stars zu einer Zeit, als der Musiksender ein Pop-Kingmaker war.

Als sich 90er-Jahre-Alben wie „Out of Time“ und „Automatic for the People“ millionenfach verkauften, wurde die Band von einem neuen Publikum umarmt, dem der 40 Watt Club in Athen, wo REM so viele gespielt hatte, egal war oder dass Produzent Scott Litt „Walking on Sunshine“ von Katrina and the Waves produziert hatte, das zu einem kommerziellen Jingle wurde. Und doch wurde das „Vorher und Nachher“ von REMs Karriere für ihre Hardcore-Fans zu einer warnenden Geschichte über eine Band, die die Welt erobert und ihre Seele verliert – ein Vorwurf, den Carlin als äußerst unfair und fehlgeleitet ansieht.

„Selbst als über sie auf MTV berichtet wurde, als wären sie die Beatles, vermittelten sie immer noch auf diese seltsam mühelose Art und Weise, was die Leute fühlten und dachten“, sagt der Autor. „Zu dieser Zeit gab es große gesellschaftliche Veränderungen und ihre Fans reagierten darauf, wie REM diese Probleme in ihrer Musik anging. In gewisser Weise wurden sie umso relevanter, je größer sie wurden.“

Sie waren sicherlich nicht auf Tempomat eingestellt. Wenn man sich die 90er-Jahre-Alben von REM genau anhört, erkennt man eine Band, die sich dem Experimentieren verschrieben hat. „Sie sind erwachsen geworden und bessere Künstler geworden“, sagt Carlin. Zugegeben, der Ohrwurm „Shiny Happy People“ von „Out of Time“ ist erfreulich banal, aber das Album enthält auch Spoken-Word-Passagen, grüblerische Basslinien und gespenstische Steel-Gitarren-Drohne. Laut Carlin hatte die Band keine großen Erwartungen an „Automatic for the People“ aus dem Jahr 1992, ein Album mit überwiegend ruhigen, traurigen Balladen, das neben „Out of Time“ nach wie vor ihr beliebtestes Album ist. Als Berry die Band anflehte, wieder abzurocken, wechselte die Gruppe den Gang und produzierte 1994 „Monster“, in dem Buck seine Arpeggien aufgibt und Power-Akkorde durch ein Verzerrungspedal laufen lässt. Auch es verkaufte sich kräftig und stetig.

Mit dem Erfolg kam eine genauere Prüfung. Die Presse verfolgte Stipe und die anderen Bandmitglieder wegen ihres Privatlebens – Stipes sexuelle Orientierung wurde zu einer Obsession –, das sie stets streng geheim gehalten haben. Als Berry 1997 ein Gehirnaneurysma erlitt und ausgebrannt und künstlerisch erschöpft die Band verließ, machten REM als Trio weiter, doch die Verkaufszahlen gingen zurück, ebenso wie die zeitgeistige Begeisterung. Die Band beendete es 2011 endgültigaber seine Musik behält ihre Kraft, wie die Aufnahme von „Oh My Heart“ und „Strange Currencies“ als Quellmusik für Hulus beliebte Serie „The Bear“ zeigt.

„REM bleibt einflussreich“, sagt Carlin. „Nicht nur im Hinblick darauf, wie sie ihre Karriere strukturiert haben, sondern auch darauf, wie sie konsequent die Kunst geschaffen haben, die sie machen wollten.“