Das Musical am Ende der Welt

Mutter (Tilda Swinton) träumt schlecht. Neben ihr schläft der süße und umgängliche Vater (Michael Shannon). Sie befreit sich aus einem Albtraum und wird von ihrem Mann getröstet. Sie belügt ihn und sagt, dass es ihr gut geht, aber das ist eindeutig nicht der Fall.

Wie konnte sie sein? Sie weiß alles. Sie weiß, wenn sie aus dem Bett kriechen und ihr Zuhause verlassen würde, würde sie auf ein kaltes Salzbergwerk stoßen. Sie weiß, dass direkt über dem Salzbergwerk die Welt in Flammen steht – dass alle tot sind. Sie weiß, dass der Mann, neben dem sie schläft, dieser süße und umgängliche Ehemann, dafür verantwortlich ist. Und sie weiß, dass sie auch nicht unschuldig ist.

Das Ende ist ein Musical mit Liedern, die von den sechs Überlebenden gesungen werden, die in einem luxuriösen Bunker leben. Sie alle sind Wohltäter des Ölgeschäfts, das heißt, sie sind noch am Leben. Es ist ein sorgfältig aufgebautes Kartenhaus, das nach 20 Jahren im Untergrund zur Routine geworden ist. Doch als Girl (Moses Ingram) ankommt, ist ihr falsches Sicherheitsgefühl bedroht und die Lügen, die sie sich jeden Tag eingeredet haben, um durchzukommen, beginnen langsam zu verschwinden.

Es ist ein kurioses und überraschendes Projekt des Regisseurs Joshua Oppenheimer, der vor allem für seinen atemberaubenden Dokumentarfilm bekannt ist Der Akt des Tötensin dem er und seine Co-Regisseure ihre Protagonisten auffordern, Massenmorde nachzustellen, an denen sie während der Unruhen in Indonesien Mitte der 60er Jahre beteiligt waren. Ich habe mich vorher mit Oppenheimer zusammengesetzt Das Ende's landesweite Theatererweiterung. Wir sprachen über das Offensichtliche – seinen großen Sprung vom Dokumentarfilm zum Musical – und, was noch seltsamer ist, darüber, was es uns über Menschen sagt, wenn ihre Armbanduhr mehr kostet als ein Auto.

The Verge: Ich möchte hier mit der offensichtlichen Frage beginnen: Warum brauchte diese Geschichte ein Musical? Was wolltest du an diesem Genre erforschen?

Joshua Oppenheimer: Musicals sind wirklich der Inbegriff falscher Hoffnung, und ich sage falsche Hoffnung, weil ich denke, dass es sich in Wirklichkeit um Verzweiflung im Schafspelz der Hoffnung handelt.

Die Idee, dass die Sonne auf jeden Fall morgen herauskommen wird – oder ihre extremere Form am Ende, dass unsere Zukunft rosig ist, was die Familie singt, während sie ganz am Ende sozusagen in den Abgrund starrt Film, der verzweifelt versucht, sich selbst davon zu überzeugen, dass das der Fall ist – es ist völlig passiv, denn wenn die kleine Waise Annie singt: „Morgen kommt die Sonne heraus“, will sie es einfach so und hofft auf viel Glück.

Und ich denke, dass Passivität aus dieser Tiefe kommt, einem tiefen Gefühl der Machtlosigkeit. Es ist ein amerikanisches Genre, weil wir behaupten, eine Demokratie zu sein, aber in gewisser Weise waren wir schon immer diese ziemlich raue, brutale Oligarchie mit einer Verfassung, die überhaupt nicht demokratisch ist, mit allem, vom Wahlkollegium bis zum Senat Gerrymandering über die lebenslangen Ernennungen am Obersten Gerichtshof bis hin zu unseren Systemen der gegenseitigen Kontrolle. Hier ist ein Land, das sich einredet, dass es all die Macht hat, seine Zukunft zu gestalten, aber wir haben nicht nur weniger soziale Mobilität als fast jede andere Industrienation. Die Geschichte vom Tellerwäscher zum Millionär erweist sich als Lüge. Aber auch die demokratische Geschichte ist eine Lüge.

Das EndeDer Anfang ist wegen seiner Wärme interessant. Der Vater tröstet die Mutter nach einem bösen Traum, aber mit der Zeit erfahren wir, dass diese Charaktere einige ziemlich schlimme Dinge getan haben.

Wir haben in dieser Szene mehrere Dinge eingerichtet. Wir richten Spuk und Unterdrückung ein. Wir haben einen Vater geschaffen, der warmherzig und fürsorglich ist. Wir bauen eine schlechte Beziehung auf, weil die Mutter ihn sofort anlügt. Wir schaffen eine Art mexikanische Pattsituation oder was auch immer das Problem ist – sie können nicht darüber reden, weil der Vater so tun muss, als wäre alles in Ordnung.

Diese Szene kam an anderer Stelle im Drehbuch und später im Film vor, und das war eine Inspiration für den Schnitt, sie an den Anfang zu setzen, weil sie den Schlüssel bietet, um die ganze Dynamik freizusetzen. Im ersten Ensemble-Song: „The Mother's ill at“. In aller Ruhe kommt Vater aus dem Esszimmer und singt „Forever the Strength of Our Family“. Mutter wendet sich sofort ab und geht zu den Blumen. Für jeden, der aufmerksam ist, verbinden wir das sofort mit der Szene, die gerade davor war. Während vorher [in the original edit] Diese Szene war da, die Leute würden das vermissen.

Besonders überraschend ist die Leistung von Michael Shannon. Er ist sehr süß und liebenswert. Und sein Gesang ist so menschlich. Woher wussten Sie, dass das die richtige Stimme für diese Rolle ist?

Er hat diese honigsüße, sanfte Stimme, wie die Strickpullover, die er trägt. Aber er ist so aufrichtig, dass er in seiner Sehnsucht nach Liebe nicht die Macho-Angst hat, fast zu klagen. So geht er mit Leichtigkeit in die Tonhöhen, ins Falsett, sowohl im Gesang als auch in der Sprache.

Er wird fast wie Jimmy Stewart Mr. Smith geht nach Washingtonaber mit dieser Art von brodelnder Wut, die zu Selbsthass oder Wut werden kann und die von Natur aus irgendwie gefährlich und aus dem Gleichgewicht geraten ist. Ich finde, er ist viel interessanter als Mr. Smith.

Aber er ist so onkelhaft. Und das liebe ich. Und dann ist er so überraschend. [Shannon] ist als Künstler, als Performer so frei, dass er einfach dorthin geht, wo sein inneres Leben ihn hinführt, und dass ihn das aufrichtig und gebrochen macht. Ich meine, jeder, den ich besetzung, hat etwas, das diese Unbewachtheit teilt, die sie meiner Meinung nach insgesamt nicht so sehr zu einer Truppe macht, sondern … Ich bin dazu gekommen, sie irgendwie als Doomsday-Sektenmitglieder zu beschreiben, die sich für die Entrückung anmelden. Sie sind hoffnungsvoll und sie sind verloren und sie sind erschreckend sterblich.

Mir gefiel die Kälte im Bunker. Und das mit dem Wissen, dass draußen alles brennt, oder? Wie sind Sie bei der Standortsuche dafür vorgegangen und warum ist die Apokalypse so kalt?

Aus den Liedern ist wirklich alles hervorgegangen. Als die Lieder diese verzweifelten Versuche, sich selbst davon zu überzeugen, dass alles gut werden würde, wie in allen Musicals des Goldenen Zeitalters musikalisiert und falsche Hoffnungen musikalisiert hatten, wurde mir klar, dass das Publikum manchmal vergessen sollte, dass es im Bunker war. Während wir beim Singen mitsummen, sollten wir mit ihnen vergessen, dass sie in einem Bunker gefangen sind. Und das bedeutete, dass es Außenansichten geben sollte, die uns zu dieser Art von Termitenkolonie oder Ameisenkolonie führten, einem Modell eines Bunkers, in dem es eine große unterirdische Höhlenstruktur gibt, und dann werden einige der Höhlen in diese wunderschönen Räume umgewandelt, und einige von ihnen sind einfach roh.

Und das führte zu der Idee, dass unser Außenbereich das Salzbergwerk sein würde. Wir haben drei Wochen lang in einem Salzbergwerk gedreht und hatten einfach das Gefühl, dass es sich wie Mondlicht anfühlen sollte. Es gibt einen Text: „Du kannst wie Schnee im Mondlicht leuchten“, und ich denke, das hat mich inspiriert [cinematographer] Mikhail Krichman und ich machen die Salzminen irgendwie kalt und bläulich. Und dann könnten die Räume gemütlich sein, im Gegensatz dazu, wenn sie es nicht sind. Wenn dies jedoch nicht der Fall ist, würden die Papierblumen ein schockierendes Rot annehmen.

Dann wurde die Raumaufteilung in Studios erstellt und die Aufteilung durch die Struktur der Lieder bestimmt. Du siehst, wie die Leute buchstäblich in Liedern zusammenbrechen. Wir möchten das ertragen, was bedeutet, dass es sich nicht richtig anfühlte, zu kürzen, wenn wir es nicht müssten. Wir versuchten herauszufinden, wie der Leadsänger uns durch seine natürliche Aktion zur nächsten Person bringen könnte. Daraus entstanden bestimmte Grundrisse und Ideen.

Wir haben Grundrisse gefunden, die alle Lieder unseres Ensembles aufnehmen konnten. Daraus entstand der Entwurf für den Bunker. Und in gewisser Weise hat der Grundriss des Bunkers tatsächlich irgendwie seine DNA, die Struktur der Songs.

Ich möchte Sie nach der Rolle von Luxusarmbanduhren in diesem Film fragen. Jeder trägt etwas Besonderes – was in Filmen ein übliches Klassenmerkmal ist, aber in einem unterirdischen Bunker fühlten sie sich besonders ergreifend an.

Es gibt zwei Dinge. Zunächst wollte ich in Indonesien einen dritten Film mit den Oligarchen drehen, die durch den dortigen Völkermord an die Macht kamen. Und das konnte ich nicht, weil ich danach nicht mehr sicher nach Indonesien zurückkehren konnte Der Akt des Tötens. Ich begann an anderer Stelle mit der Erforschung von Oligarchen in ähnlichen Situationen. Und ich fand heraus, dass jemand einen Bunker kaufte, und das inspirierte mich Das Ende indirekt. Aber während ich auf dieser Reise war und in den Jahren, in denen ich in Indonesien gearbeitet habe, wusste ich immer, dass es ein Zeichen von Korruption ist, wenn Menschen – und ein Zeichen eines korrupten Landes im Allgemeinen –, wenn die Uhren der Menschen mehr kosten als ihre Autos. Daran wussten Sie, dass Regierungsbeamte korrupt waren.

Ich habe mich wirklich für die Uhren interessiert, als ich diese beiden Dokumentarfilme in Indonesien drehte und über diese echten Oligarchen recherchierte. Ich habe Zeilen gesammelt, die denen ähneln, die der Sohn sagt, wenn er dem Mädchen eine Uhr gibt. Er sprach über Roségold und Alligatorleder und die genaueste Uhr, die jemals hergestellt wurde. Und das war irgendwie in meinem Hinterkopf. Dann habe ich dieses Lied über die Zeit geschrieben. [singing] Sekunden vergehen so schnell, bevor man es merkt, und sie sind weg. Aber ich erinnere mich an Zeiten, in denen Momente nicht verschwanden, als man die Augen schloss und ein einziger Atemzug ewig weitergehen konnte. Die wenigen Atemzüge, die uns noch blieben, bedeuteten also überhaupt nichts.

Dieser Text festigte die Rolle der Uhren im Film, weil … Jetzt komme ich zum eigentlichen Punkt: Letztendlich ist die Zeit der Antagonist, oder? Von Anfang an? Der Sohn ist dazu verdammt, irgendwann allein zu enden, weil die Sterblichkeit in allen Geschichten der Antagonist ist. Und wenn die Eltern sterben, bleibt der Sohn allein. Wird er sich dafür entscheiden, sich umzubringen? Wird er den Rest seiner Tage in beraubter Einsamkeit verbringen? Der Film handelt von dieser Familie, diese namenlosen Charaktere sind wir alle, denn die Familie ist jede einzelne unserer Familien. Aber gleichzeitig ist es die gesamte Menschheitsfamilie, und wir stehen vor dem existenziellen Antagonisten der Zeit, während wir gemeinsam entscheiden, ob wir die ökologische Krise angehen oder nicht, ob wir uns vor dem Klimawandel befassen oder nicht zu spät.

Ich möchte, dass sich der Betrachter der Zeit wirklich bewusst ist. Und auch, wenn wir nicht miteinander präsent sein können, weil wir uns gegenseitig anlügen oder weil wir uns nicht dafür entschuldigen können, wie wir einander zugehört haben. Deshalb haben wir ständig Angst, dass wir auf Zehenspitzen durch No-Go-Areas schleichen, die unsere Beziehungen aushöhlen, und dann verlieren wir die Qualität der Zeit, in der wir einfach zusammen sein und die Geschichte dessen, was wir alle sind, teilen können.