„Ultraman: Rising“-Filmemacher über grafische Animationen, ein „Familienthema“ für die Filmmusik und die Darstellung einer neuen Seite des Superhelden

Ultraman ist seit der Fernsehserie ein bekanntes Medien-Franchise in Japan Ultra Q wurde erstmals 1966 uraufgeführt. Schon aus der Ferne hinterließ die Figur bei jungen Menschen einen bleibenden Eindruck Shannon Tindle wuchs im ländlichen Kentucky auf und wurde später Autor und Regisseur von Netflixist animiert Ultraman: Aufstieg. Zusammen mit Co-Regisseur John Aoshimabrachten die beiden eine neue Seite des Kaiju-Kampfgiganten zum Vorschein, wobei der Schwerpunkt eher auf Fürsorge als auf Zerstörung lag.

Der Film folgt Ken Sato (Christopher Sean), einem Baseballstar, der nach Japan zurückkehrt, um die Rolle des Ultraman zu übernehmen, als sein Vater in den Ruhestand geht. Obwohl ihm seine dreiste und egozentrische Haltung nicht viele Fans einbringt, ändert sich seine Einstellung bald, als er der Betreuer von Emi, einem neugeborenen Kaiju, wird.

Deadline hatte die Gelegenheit, sich mit Tindle und Aoshima sowie VFX-Supervisor Hayden Jones und Komponist Scot Stafford bei Industrial Light & Magic zusammenzusetzen (ILM), um das zu besprechen Animation.

Die Idee zu diesem Film hatte Tindle schon seit 23 Jahren im Kopf, und sie hatte immer die gleiche Grundidee. Aber erst als er Eltern wurde, verstand er wirklich, wie tief die familiäre Beziehung zwischen Ken und Emi sein sollte. „Vor meiner Tochter hatte ich natürlich schon die Erfahrung gemacht, ein alleinstehender, egoistischer Mensch zu sein, der tun und lassen kann, was man will, und zwar praktisch immer dann, wenn man es will“, sagt er. „Aber wenn ein Kind hereinkommt, muss man gewisse Opfer bringen, und das ist schwer.“

Aoshima hatte auch eine persönliche Verbindung zu Ken, da er ebenfalls ein japanischer Amerikaner ist und sich in seiner Jugend fehl am Platz fühlte. „Ich begann, einige Kindheitsgeschichten zu erzählen“, sagt er. „Ich meine, damals wurden sie vielleicht als Trauma eingestuft, aber wenn ich als Erwachsener zurückblicke, hat es wirklich gezeigt, was meine Reise war, und diese Reise wollte ich mit Shannon teilen, die dabei helfen kann, eine echte, authentische Erfahrung zu machen.“ der Charakter. Wir gehen im Film nicht auf Details ein, aber man spürt es. Man spürt, was der Chip auf Kens Schulter ist.“

Die Idee der Familie war so tief verwurzelt, dass Stafford beschloss, ein einziges „Familienthema“ für die Partitur zu schaffen und davon die Charakterthemen abzuzweigen. „Ich musste alles miteinander verbinden“, sagt er, „also bestanden meine beiden Lösungen dafür darin, jedes einzelne musikalische Thema miteinander zu verbinden und sich um das Familienthema zu drehen, nur um sicherzustellen, dass alles die gleiche DNA-Struktur hat, und dann musste ich sie haben.“ ein Instrument, das es einfach realistisch hielt.“

Dieses Instrument war die Harfe, die laut Stafford das Herzstück der Partitur und das vielseitigste Instrument war, das er verwenden konnte. Das beste Beispiel, sagt er, ist die erste Szene des Films, in der der junge Ken mit seinen Eltern Ramen zubereitet und Baseball schaut. „Ich brauchte, dass die Musik sich wie der Anfang einer klassischen Superheldengeschichte anfühlt, aber auch eine Tiefe und Intimität hat und sich einfach wie die größte und wärmste Umarmung anfühlt, die ich machen kann, denn in der Sekunde, in der sie weggezogen wird, wollte ich das tut weh. Um das zu erreichen, muss man das schönste, sanfteste und intimste Instrument haben, und ich habe mich immer wieder für die Harfe entschieden, weil sie dazu in der Lage ist, aber auch weil sie sich durch eine leichte Änderung der Technik verändern kann Spieler hält seine Finger.“

Obwohl die Harfe das Hauptinstrument war, wurden in der Filmmusik auch 8-Bit-Sounds verwendet und der Polyphia-Gitarrist Tim Henson vertonte die Handlung. Hensons E-Gitarre machte für die Kaiju-Kämpfe Sinn, aber Stafford hatte anfangs ein wenig Schwierigkeiten, herauszufinden, wie er die 8-Bit-Synthesizer integrieren konnte, ohne den Eindruck zu erwecken, dass sie nur aus Nostalgiezwecken da waren. „Was 8-Bit-Sounds wirklich gut gemacht haben, war mitten in einer epischen Szene, in der es jede Menge unglaublicher Action-Sequenzen und Choreografien gibt, aber irgendetwas läuft nicht gut … da kommt 8-Bit ins Spiel“, sagt er. „Es ist der Klang von Kens Scheitern, während Tim Henson der Klang von Ken war, der in den Arsch tritt.“

Beide Sounds machten für die Actionsequenzen Sinn, da der Animationsstil an Anime oder Graphic Novels erinnerte, aber dank der visuellen Effekte einen einzigartigen visuellen Stil aufwies. „Wir haben uns viele verschiedene Stile von Anime-Kämpfen und Impact-Frames angesehen, bei denen man einfach die Farbe umkehrt oder ihr für ein paar Frames einen etwas anderen Stil verleiht“, sagt Jones.

Zusätzlich zu den Impact-Frames habe man laut Jones auch Bewegungsunschärfe entfernt und der Animation Smears hinzugefügt, um einen Anime-Stil zu emulieren, was für ILM etwas völlig Neues sei. „Man hatte das Gefühl, dass die Bewegung wirklich schnell und sehr schnell war, aber es war keine Bewegungsunschärfe, wie wir sie normalerweise bei ILM verwenden würden“, sagt er. „Also engagiert man Künstler, die fast verlernen können, wie sie es jahrelang gemacht haben, und sagt: ‚Okay, wir nehmen Ihnen all diese Werkzeuge weg, an die Sie gewöhnt sind, und wir müssen kommen.‘ mit einem neuen Satz an Werkzeugen aufwarten.' Und bei ILM zu arbeiten ist, als hätte man den besten Werkzeugkasten der Welt.“

Gemeinsam mit den Filmemachern konnten Jones und sein Team neue Wege finden, eine Anime-Ästhetik zu integrieren und gleichzeitig den ursprünglichen Stil beizubehalten. „Viele Schräglagen, viele Verschmierungen, viele nur widerhallende Anime-Referenzen, die wir liebgewonnen hatten“, sagt er. „Und indem wir sie alle zusammenbrachten, konnten wir wirklich, wirklich stylen Ultraman: Aufstieg in diesen großartig einzigartigen visuellen Look.“

Ein großer Teil dieses Looks entstand durch die Nachbildung einer authentischen Version Japans, was allen Projektbeteiligten wichtig war. „Wir hatten viele Teammitglieder, die in Japan lebten oder aus Japan kamen“, sagt Tindle. „Es gibt das Tokio, das man in Filmen sieht, das sich tendenziell ausschließlich auf Orte wie Akihabara konzentriert, aber wir wollten diese Nuance verleihen. Es ist eine große und erstaunliche Stadt.“

Jones sagt, dass die Recherche, um die Stadt in Ordnung zu bringen, umfangreich war und über die bloße Betrachtung von Karten und Gebäuden hinausging. „Netflix hat ein japanisches Kulturkomitee eingerichtet, das sicherstellte, dass alles, was wir machten, wirklich authentisch war, und sie gaben uns auch kleine Briefing-Sitzungen darüber, was es bedeutet, Japaner zu sein und in Tokio zu leben“, sagt er. „Diese waren großartig darin, die Künstler über wichtige Dinge zu informieren … Einige Stadtteile Tokios haben einen bestimmten Baustil als andere, und wir haben wirklich darauf geachtet, dass jeder Bereich so aussieht und sich anfühlt wie der Bereich, in dem wir uns befinden.“

„Was ich liebe, ist, dass einige unserer japanischen Künstler, die aus Japan kamen, erzählt haben, wie sie gelernt haben, Japan aus japanischer Sicht zu verstehen“, fügt Aoshima hinzu, „denn es ist vielleicht keine Stadt, in der sie sich aufhalten, Aber sie verstehen es irgendwie… Wenn man es wirklich bewerten will, um eine angemessene Darstellung der Stadt zu erhalten, dann bringt das eine zusätzliche Bedeutung und Verantwortung mit sich, sein Heimatland richtig darzustellen, also denke ich, dass darin ein großer Teil dieser Liebe steckt kam her.“